Ｆｍのブルースなんじゃが、Ron Carterが１コーラスまるまるＦペダルを弾いて、その上でハンコックがお茶目なフレーズを弾くという場面じゃな。

単にフレーズだけをコピーしてもなかなか身に付かない。やはりその時のミュージシャンが何を考えているかまで踏み込んでみると、そのフレーズの必然性が理解でき、修得も早いし、自分でフレーズを発展させることも出来るじゃろう。

実はダイアトニック・スケール、つまり普通のド・レ・ミ・ファ・ソ・ラ・シ・ドにも「ソ→ド」と「ド→ファ」の２つの完全４度音程が存在しておる。

そういえばマイナー・ブルースの「イスラエル」という曲ではこの「完全４度短３度上がり」がテーマで登場する。

完全４度やオクターブはトーナリティ（調性）を感じさせにくい、という面もあり、いろんな場面で応用出来るじゃろう。

このファから下ってくるフレーズがポイントじゃ。コード進行はE_m7^-5 - A₇じゃが、A₇一発と考えてみるとどういう音使いになるかな？

この場合はＡから始まっているから「Ａのコンディミ」じゃ。

ディミニッシュ・スケールは音のインターバルが全音・半音・全音・半音・・・・じゃっただろう。

コンディミは音の並びが半音・全音・半音・全音・・・なんじゃ。

念のため全キーのスケールを挙げておこう。

もう一つ、エバンスのコンディミ・フレーズを見てみよう。５〜６小節のG_m7 - C₇のII-Vのところじゃ。

結構、勘違いしてる人が多くて、「コンディミ・フレーズ」っていうと「コンディミ・スケール」から音を選んで、フレーズを作ろうとするんじゃが、素直にスケールをそのまま上がり下がりする方が独特のアウト感が出せて、効果的なんじゃ。

というか、II-V（ツー・ファイブ）をV一発と考えてスケールスケールしたフレーズを弾く、というのがこのアプローチのキモなわけで、その意味ではスケールをそのまま弾くというのが正解だとも言える。

Brecker Brothersの名曲、「Inside Out」というＦのブルースでもサブ・ドミナントに上がったところで、Randy Breckernの「コンディミそのまま駆け上がり」フレーズが聴ける。

これをもっと発展させて、というかちょっと見方を変えて、#11を含むということでは「ホール・トーン・スケール」なども使えるかもしれんな。

ドミナント・ペダルの上でダイアトニック・コードが上下するコード進行の中で、コルトレーンはＢｂのコンディミ・スケール上の音をアルペジオのように弾いておる。

あと、こんなパターンもあるぞ。

この曲では最終的にAbに解決するからドミナントであるEb₇、つまりEbのコンディミであるとも言えるし、Db - Db_mのサブドミナントーサブドミナント・マイナーの進行のDb_m7をDb_m7 - Gb₇のII-V（ツー・ファイブ）にしてGbのコンディミを続けたとも考えられるし．．．．

まあ、雰囲気じゃな。

これはコンディミに限らないが、スケールに注目するアプローチというのは、そういう傾向があって、例えば「Softly As In A Morning Sunrise」のＡの部分をC_m一発と考える、なんてことも可能なんじゃ。

もちろん、こうすると曲の構造が変わってしまい、バンド全体の意思統一が必要になるので、ソロのアプローチの範疇を越えてしまうのじゃがね。

「スケールに注目するアプローチ」は「モード奏法」なんかにも通じる考えなんじゃが、要はコードという垂直(Virtical)の流れを一時的に無視して、スケールという水平(horizontal)な流れに注目するというのが、このアプローチのポイントじゃ。

１〜３小節で「ド・ファ・シｂ・ド」という完全４度を中心にした音使いをしておるが、４小節目で「ド＃・ファ＃・シ・ド＃」と半音上がった音列になっている。

トニックのＦに解決するために、Ｆの半音上であるF#₇を感じさせるフレーズじゃ。本来のスケールとしてはF#ミクソリディアン・スケールを使うんじゃろうが、Randyは「ソ」をナチュラルにしているので、ちょっと違う。

RandyはＣの半音上のC#と考えて吹いているのかもしれない。スケール的にはC#マイナー・ペンタトニック（b5付き）と考える方が妥当かもしれない。

この「緊張」から「安定」に移る課程を音楽では「解決(Resolve)」と言うんじゃが、いかに緊張状態を作りどう解決するか、が音楽をやる上で最も重要になる。

アドリブをする場合も同様で、例えば「II-V（ツー・ファイブ）フレーズをいっぱい覚えなさい」というのも「どうやって解決するか」をマスターすることに他ならないし、「テンション」なんて言葉通り「緊張」を作り出し、かっこよく解決する手段なんじゃ。

つまり「半音上」も緊張状態を作り出し解決する手段の一つと考えるのがポイントというわけ。

まあ、これについては次回、また話そう。

ちょっと脱線してしまうが、「解決」に関して話しておきたいことがある。ひろ子くんはジョン・コルトレーンの「My Favorite Things」という曲を知っておるかな？

インドやアラビアの音楽をはじめ、多くの古代音楽には「解決」はないのじゃ。簡単なモチーフを何回も繰り返し、３０分や１時間、ぶっ通しで演奏し続ける。そうしていると次第にナチュラル・ハイのような状態になってカタルシスを得るというのが、古代における音楽の効用の一つでもあったと思われる。そういった中から例えばサーキュレス・ブレス、音を途切れなく吹き続ける呼吸法が編み出されたりしたんじゃ。

ソロの部分の構造を見てみよう。ソロは大きく分けてＥｍのパートとＥメジャーのパートからなり、その切り替えの合図としてテーマのメロディを演奏するんじゃ。

８分の６拍子の前にも後ろにも進まない、「停滞感」とでもいうべきノリがこういう音楽に向いておるんじゃ。民族音楽では８分の６拍子がよく使われるのも、そういう理由によるのじゃろう。

まあ、それは冗談として、エキゾティックなサウンドにソプラノ・サックスの音色がマッチして、これまでに聴いたことのない音楽だったから、人気を博したのじゃろう。音楽的にも表面上はシンプルでわかりやすいからね。

同じことの繰り返しといっても、ダイナミクスを大きく変化させて、きちんと曲としての体裁も整えておる。一般的な「解決」手法は使われていないが、各人のソロ全体を通して、もしくは曲全体を通して聴いてみると、きちんと「緊張」と「安定」の「寄せて戻して」が実現出来ておる。言い方を変えればソロ全体、曲全体で「解決」していると言えるんじゃないかな。

ひとつは「リズムに注目」するアプローチ。

完全にコードを無視するというわけではないが、コードよりもリズミックなパターンや形を重視するという方法じゃ。ピアノなんかはブロック・コードでガンガン弾いたりして、定番的に使ってるかもしれんが、ここではちょっと違うパターンを紹介しよう。ポリリズム的な発想じゃが、３連符で４つづつのフレーズを繰り返したり、１６分音符で３つや５つのフレーズを繰り返すんじゃ。

もう一つは３〜４音くらいのモチーフを半音づつ上がったり下がったりするというアプローチじゃ。

この例は厳密に半音下降しているわけではないが、それはたいした問題ではないじゃろう。

まあ、練習するのは構わんが、「フレーズの脈絡も考えずに使っちゃあだめだよ」とかのマイケル・ブレッカー先生がおっしゃっておる。あくまでもソロで「唄う」ための一要素として考えなさい。